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KOUHEI FUKUSHIMA  福島滉平

1995  Japan

絵画/ 彫刻 / 音楽 / 写真 / 映像 / 建築 / BMX

Contemporary Art / Music / Architect / BMX

Profile

Kouhei Fukushima was born in 1995 in Fukuoka, Japan, and spent his childhood in Hiroshima. 

 

He observes society through his own filter, reconstructs it incorporatesinto his works with sensitivity. He always carries a spirit of resistance and the expression of his work continues to evolve.During his high school and university student, he majored in  Architectural Environment, a background that inform the structural balance evident in his artwork.

In 2015, Fukushima embarked on a career as a professional BMX rider, showcasing his adventurous spirit and passion for dynamic forms of self-expression.  By 2018, he shifted to visual artist. 

Fukushima’s work is described as heterodox, blending a vast array of influences and sensibilities to continually innovate.

A vast amount of information and a universal sensibility. He is a painter who has uniquely updated those expressions.

福島滉平は1995年に日本の福岡で生まれ、広島で幼少期を過ごしました。日本のポップカルチャーと米国のストリート

カルチャーに影響された彼は、常に反骨精神を持ち合わせ自分自身のフィルターを通して社会を観察し作品に取り入れています。

 

高校と大学では建築環境を専攻し、その背景が彼のアートワークに見られる構造的なバランスに影響を与えています。卒業後はBMXライダーとしてのキャリアを始め、冒険心とダイナミックな自己表現への情熱を示しました。2018年には芸術家に転向し、膨大な情報量とユニバーサルな感性、それぞれの表現を独自でアップデートさせてきた異端の表現家。

About works

I was born in the mid-90s, at the heart of a turning point for subcultures like the internet and Gal culture, and I grew up in a unique era defined by games and anime like Pokémon, Monster Hunter, Animal Crossing, NARUTO, and ONE PIECE. Although the internet was becoming more widespread, back then, the primary way to play games with friends was through infrared connections. This served as one of the main ways to connect and communicate with others. For Japanese people, who often struggle with direct communication, having a share common communication is essential. Immersed in these various culture, which could be considered a form of "Japanese Pop Art", I spent learning many important things, such as artistic expression, potential, and philosophical thought from the worlds of manga, anime and games. This essay discusses "contemporary art"and "contemporary forms of art" through my personal filter without a formal art education, and aims to demonstrate the "rationality of art" in modern society by exploring the definition and possibilities of contemporary art. Japanese subculture (Japanese pop culture) is a unique, ambiguous field that has evolved over many years, influenced by manga culture’s departure from realism. Ukiyo-e, one of the forms of popular culture that had a considerable influence on painters worldwide, including Vincent van Gogh, has become an indispensable part of global art history. Ukiyo-e emerged during the Edo period, a time marked by frequent large fires, fostering a belief that life should be enjoyed fully despite hardships.These prints captured the joy of the present moment and the evolving trends of Edo as it moved through cycles of recovery and change. At the time, Ukiyo-e served as a form of self-expression for the common people, supporting Japanese realism and identity. It developed uniquely, resonating deeply with people's hearts. During that time,Ukiyo-e was an accessible and familiar art form for the common people, deeply ingrained in daily life. It was so widely available that ukiyo-e prints were even used as packing material for fragile items exported from Japan. Various genres of Ukiyo-e emerged, including portraits of Kabuki actors and beautiful women(Bijin-ga), satirical works reflecting social issues, and erotic art known as Shunga. These genres laid the foundation for what would later become a significant influence on modern Japanese subculture.  Western "high art," which could only be enjoyed by aristocrats and the wealthy, served a different purpose entirely from Japanese "pop art," which existed to support and resonate with the "common people". Japan's "high culture" during the Edo period encompassed refined traditional arts such as calligraphy (Shodo), tea ceremony (Sado), flower arrangement (Kado), Kabuki, and Noh theater. These art forms were maintained primarily by the elite, serving as symbols of cultural identity and status.  Today, while these traditions are still highly valued as part of Japan’s heritage, they are somewhat distant from everyday life for many Japanese people. Instead, they often serve as national symbols and are regarded more as cultural heritage than as daily living for most. For instance, during my school days, subculture was deeply rooted in our daily lives. Some classmates were genuinely infatuated with 'moe' characters (cute anime girl characters), while others were influenced by 'delinquent boy' manga, which shaped their rebellious behavior. Additionally, it was common in class to pass around Weekly Shonen Jump (a popular manga magazine), with classmates reading it one after another. These experiences highlight the profound impact Japanese subculture has had on our daily lives and values. Growing up with 'pop art' as a daily presence in my life, the idea of formally studying art felt strange to me, so I chose to study architecture in high school and university. However, as I grew older, I began encountering the notion that 'art is something special,' which led me on a journey to explore what the 'superiority of art' truly means. In Western history, "high art" was often a powerful tool for displaying authority and grandeur, especially for royalty and the wealthy in the era before the invention of the camera. This art emphasized realism and meticulous craftsmanship, with artists using refined techniques to capture lifelike details, rather than focusing on personal expression. However, as the 19th century progressed, the invention of the camera fundamentally changed the purpose and nature of visual art. Realism, once a primary goal, became less crucial since photography could capture scenes and subjects with unparalleled accuracy. This shift led many painters to question the purpose of painting in a world with cameras, sparking a series of "artistic rebellion movements" aimed at redefining art itself. These movements laid the foundations of contemporary art. Due to the limitations of early cameras, which required subjects to remain still for at least 30 minutes, the early Impressionists sought to capture scenes that a camera couldn’t fully record, such as dynamic streetscapes and flowing water. Artists (like Claude Monet and Pierre-Auguste Renoir )focused on these fleeting moments, using painting techniques to convey a sense of movement and the spontaneity of changing light and scenes that photography couldn't yet capture. This era, which pursued more instantaneous characteristics, emerged as a counter-approach to the properties of the camera. The superiority of 'high art' in today's era, where photographs can capture moments instantaneously, lies in its context (its background and underlying motives). Consequently, explanation has become essential to fully interpret contemporary art, often leading to a sense of complexity or difficulty in understanding. The 'high art' created for Western elites and the 'art for the common people' in Japan stem from differences in cultural ideologies. To me, attempting to evaluate 'the culture of art' by a single standard doesn’t seem artistic at all. In contemporary art, professionals like critics often play a significant role in interpreting and evaluating works. However, in Japanese pop art, the evaluation of works is often left to the general public, fostering a culture in which fans actively share opinions and analyses with one another. This community difference highlights a key distinction between Western art and Japanese pop art. Within these communities, 'Otaku'(often translated as dedicated enthusiasts or geeks) engage deeply with specific works or genres, analyzing fine details and discussing their observations. Although they differ from traditional critics, Otaku show similar dedication and insight, serving as passionate, almost pure-hearted critics of the art they love. This Otaku culture enriches collective understanding, strengthens bonds among fans, and ultimately contributes to the perceived value of the art itself. Some Japanese people feel discomfort with the idea of "art is something special," as they hold a belief that "art is for everyone." I believe this perspective reflects the true "modern form (or standard) of art ". Today, anime and manga have grown into a global cultural force, captivating audiences worldwide. These media deeply reflect Japan’s historical background, social values, and daily life. Through humor, satire, and stylized portrayals of free-spirited sexuality, anime and manga convey a diverse range of expressions. This dynamic form of media embodies Japan’s "counterculture", richly reflecting the nation's identity, values, and unique artistic narrative. Just as street and hip-hop culture emerged in the United States as a means of self-expression for social minorities, Japan has preserved its own cultural diversity and historical elements through creative expressions like art and manga. Japan's realism truly lives on in its subcultures, which have long supported cultural and historical elements that might otherwise have been lost or marginalized by other countries." Throughout my journey, I encountered BMX and was touched to American counterculture through street culture. This experience allowed me to identify both the affinities and distinctions among japanese subculture, street culture, and contemporary art, each embodying a sense of "counter" (resistance or opposition). This social role and significance of contemporary art makes to shape new eras and values. The pure artist always looks to external possibilities, evolving without being confined by the past. While studying art history and techniques is important, not everyone needs to follow the same standards to become an artist. The resistance that exists between the self and others, along with a rebellious spirit toward society, is the underlying element of contemporary art. I studied architecture because I’ve been a "enthusiast of structure " since childhood, with a curiosity driven motivation to understand the mechanisms and structures behind everything. Among various subjects, I became particularly interested in explores the structure of mental and psychological processes, which was particularly fascinated about Gestalt psychology by Dr. Perls. The word "Gestalt" means "shape or form" in German. In the "Gestalt approach," there is a fundamental premise that life happens not in the past or future but in the present, a concept that aligns with "Nakaima" in Shinto (Japan's indigenous religion). When we dwell on the past or imagine the future, we are not fully present. Similarly, "artistic value," which varies depending on individual environments and psychological conditions, cannot exist in isolation. It only achieves its "form as art" by resonating with the viewer's "Nakaima" (present moment). The approach of transcending the concept of “shape” in art to create a relative "Gestalt" is my own standard of “shape,” serving as a "counter" for contemporary art.

私はインターネットやギャル文化など、サブカルチャー全体の転換期である90年代ど真ん中に生まれ、ポケットモンスターにモンスターハンター、どうぶつの森、NARUTOやONEPIECEを中心に育ったサブカルの特異点ともいえる世代である。 インターネットの普及は広がりつつあったが、当時はケーブルや赤外線での通信プレイが基本で、当時小学生の私が他とコミュニケーションをとるためのひとつの手段でもあった。コミュニケーション下手な日本人にとって共通言語は不可欠であり、こうした『日本の大衆芸術』ともいえる文化に浸るように過ごした私は、芸術の表現や可能性、哲学的思想など、大切なことの多くを漫画やアニメ・ゲームの世界から学んだ。  本稿は、美術教育を受けていない私の個人のフィルターを通した『現代美術』と『現代的、美術のかたち』について言及し、現代美術の定義と可能性を主張する事で、現代社会における『芸術の合理性』を証明することが目的である。  日本のサブカルチャー(大衆文化)は、国民性・治安の違いや漫画文化によるリアリズム脱却により、長い年月をかけて成熟した境界の曖昧な特有の領域である。フィンセント・ファン・ゴッホをはじめ、世界中の画家たちに多大な影響を与えた大衆文化のひとつ『浮世絵』は、世界の美術史を語る上で欠かない存在となった。  浮世絵は、江戸大火時代つらい世の中だからこそ、浮き浮きと楽しんで生きるべきだと考え、今を楽しみ、復興していく江戸の町と共に変わりゆく流行を絵画化したものです。当時はそれらが庶民の心を支える自己表現の場所であり日本のリアリズムやアイデンティティを支えながら独自発展していきました。 当時の浮世絵は庶民も手にしやすい身近な存在で、日本から壊れやすい品物を輸出する際の緩衝材として浮世絵が使われていたという話があるほど、人々の暮らしに浸透していたほどであった。歌舞伎役者や美人を描いた画や、社会への風刺画、性交のさまを描いた春画など様々なジャンルが派生していき、今日の日本のサブカルに至る。  貴族や一部の富裕層しか楽しむことの出来なかった、西洋の『威厳高い芸術』と、民衆を支えるために存在していた、日本の『大衆的な芸術』とでは、存在意義がまるで異なるのだ。江戸時代の日本の『ハイカルチャー(威厳高い文化)』というと、書道・茶道・華道・歌舞伎・能などが挙げられるが、今では伝統的国民文化としてエリート主義的に存続されており、現代においてもこれらの伝統文化が身近な存在とはとても言い難い。私の学生時代で例えを挙げると、『萌えキャラクター(美少女)に本気で恋する同級生』や、『ヤンキー漫画の影響を諸に受けた不良少年』、『毎週一冊の週刊少年ジャンプ(漫画雑誌)をクラスで回す習慣』など、サブカルチャーは、私達日本人の生活に深く根付いている。  このように幼少期から『大衆的芸術作品』が日常的な存在であった私は、芸術を学ぶという事に違和感を覚え、高校と大学で建築を専攻しました。しかし、大きくなるにつれ『芸術は特別なもの』という風潮に直面し、それから私は『芸術の優位性』とはなにか探究する旅に出た。  西洋の『威厳高い芸術』は、カメラのない時代の王族や富裕層が権威や構図を示すものとして存在していたため、写実的な造形美を追求した職人的な『美術』は、作家の意志を完全に排除していた。時代は流れ、19世紀後半のカメラレンズ誕生により行き場を無くした画家たちが、絵画を存続させるべく発展させてきた『芸術の反発運動』が現代美術の根源である。 当時のカメラは、少なくとも30分間は静止する必要があったため、当初の印象派たちは、カメラではとらえきれない街の風景や水の流れなどを、画家たちはキャンバスに収めようとしたのだ(クロード・モネ、ルノワール)。写実主義やアカデミックアートと対照的に、より瞬間的な特徴を追い求めたその時代は、『カメラの特性に対するカウンター(反発)』として発生したものだ。 そして瞬間的に写真を撮影できる現代における『威厳高い芸術』の優位性は、文脈(背景や動機)にあるのだ。こうして現代美術を十分に解釈する上で、説明は不可欠なものとなり、それが難解さを示してしまっている。本来、付加価値というものは相対的なので通貨はひとつの指標にすぎないのだ。 西洋の富裕層のための『威厳高い芸術』も、日本の『民衆のための芸術』も、国々の文化的思想の違いによるものであり、『美術という文化』を基準で測ろうとする事自体『芸術的』とは思えない。 現代美術の世界に評論家などの専門職が存在するのに対して、日本は民衆がそれぞれ評価をする。作品のファン同士が意見や考察を語りあうなどといった、コミニティの形成に西洋美術と日本美術の差異があり、『オタク』という存在は美術をこよなく愛する純粋な評論家のようなものである。 日本人にとって『芸術は特別なもの』という事への違和感は、こうした『芸術がみんなのもの』と考える所にあり、これが『現代的、芸術のかたち』だと考えている。  現代においてアニメや漫画は世界を魅了する文化へと成長を遂げましたが、「日本を知りたければアニメをみろ」といわれるほど、日本の歴史的背景や生活が描かれており、社会の世相を風刺したユーモラスな表現や、解放的な性をデフォルメするなど、犯罪件数の少なさによる表現の幅も伺うことができる。まさに、日本のアイデンティティが色濃く反映された『日本のカウンターカルチャー』なのである。 米国の社会的少数者の自己表現の場してストリートやヒップホップカルチャーが生まれたように、その多様性を 『文化的側面』として絵や漫画で残してきた『日本は、創作において非常に寛大な国』なのである。これまで他国に淘汰されてきた文化や歴史を側面から支えてきたサブカルにこそ、日本のリアリズムが命脈しているのだ。  これまでの旅路、私は『BMX(競技用自転車)』に出会い『ストリートカルチャー(米国の対抗文化)』に触れることで、サブカル、ストリート、現代美術にそれぞれ『カウンター(反発、対抗)』という親和性と差異を見出し、 『現代アートの社会的な役割や意義が、新たな時代や価値観を作り上げるところにある』と考えるようになった。 純粋な表現者は常に外の可能性に目をむけ、過去に囚われることなく変化していくものだ。 美術史や技術を学ぶことは大切だが、芸術家になるために全員が同じ基準に従う必要もない。自己と他の間に存在する反発や、社会や業界への反骨精神こそ、現代美術の根源的要素であるからだ。  私が建築を学んでいたのは、幼少期から『構造オタク』で、生きる動機はあらゆるものの仕組みや構造を理解したいという好奇心にある。中でも精神心理の構造を研究したパールズ博士の『ゲシュタルト心理学』に興味がある。 ゲジュタルトとは、ドイツ語で『かたち』を意味するのだが、『ゲシュタルトのアプローチ』では、人生は過去や未来ではなく現在で起こるという基本的な前提があり、これは『神道 (日本古来の民族宗教)』における『中今』という概念に当てはめられる。過去に想いを馳せたり、未来について空想している時、私たちは十分に存在しているとは言えないのだ。人によって環境や心理状況が異なる『芸術的価値』というのもそれ単体では存在できず、鑑賞者の『中今(現在)』に触れることで、『芸術のかたち』が完成する。 私が『キャラクター』や『デフォルメ(抽象化)』を描く理由も、自己と他を接続するだけでなく、子供から大人になる際の『移行対象』として、過去から今、そして未来へと接続する事が目的である。  こうした絵画における『かたち』という概念からの脱却により相対的な『ゲジュタルト』を生み出すアプローチは、私なりの現代美術の存在意義に基づいたカウンターの『かたち』なのだ。

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