KOUHEI FUKUSHIMA 福島滉平
1995 Hiroshima, Japan
絵画/ 彫刻 / 音楽 / 写真 / 映像 / 建築 / BMX
Contemporary Art / Music / Architect / BMX
Profile
Born in Fukuoka in 1995 and raised in Hiroshima, Kohei Fukushima observes and reconstructs society through his unique filter, driven by a rebellious spirit shaped by Japanese pop culture and American street culture.
His studies in architecture provide structural balance, while his musical background adds a rhythmic pulse, and his experience as a professional BMX rider brings dynamic physicality and a sense of adventure. Together, these elements resonate to create a distinct sense of harmony in his artwork.
Beginning his artistic career in 2018, Fukushima created his signature motif, "BUCKET BEAR," and later launched an NFT art project in 2022, continuously updating his expression across physical and digital mediums.
Based in Rotterdam, Netherlands since 2024 to further challenge himself as a painter, Fukushima utilizes his innate ambidexterity and psychological duality to explore the fundamental light of "seeing" and perception. Through an alternate process of construction and destruction on canvas, he seeks to integrate the individual with the universal.
1995年福岡県生まれ、広島県で育つ。日本のポップカルチャーと米国のストリートカルチャーの洗礼を受け、常に反骨精神を胸に、自身のフィルターを通して社会を観察・再構築してきた。
建築専攻で培った「構造的バランス」、音楽活動による「リズム感」、そしてプロBMXライダーとしてのキャリアで得た冒険心とダイナミックな身体性。これらが共鳴し、彼のアートワーク特有の調和を生み出している。
2018年よりアーティスト活動を本格化し、代表作「BUCKET BEAR（バケットベア）」を制作。2022年にはNFTプロジェクトを手がけるなど、デジタルとフィジカルの境界を越えた表現をアップデートし続けている。
2024年よりオランダ・ロッテルダムに拠点を移し、画家としての挑戦を加速。
生まれつきの両利きという身体性と内面的な二面性を起点に、物質を超えた「認識（見る）」としての光を探求し、キャンバス上での「構築と破壊」を通じて個と普遍の統合を試みている。
About my works
In an era dominated by hyper-rationalization and efficiency, where every phenomenon is reduced to data and information, I attempt to fundamentally question and reconstruct the act of "seeing" through the medium of painting.
The "light" I explore is far more than a physical beam illuminating a canvas or object. It is perception itself—the elemental process by which we encounter the world and translate it into consciousness.
Amidst a culture saturated with superficial visual stimuli and consumed by information, I raise the question: "Do we truly see the world?" My goal is to guide the viewer toward the raw, foundational landscape of perception hidden beneath the surface.
To realize this inner gaze—to awaken to the fact that my consciousness is actively shaping the world—is not merely a cognitive process; it is the pure origin of "love."
The way we perceive, and the way we open ourselves to accept others and surrounding phenomena, generates the reality in which we exist and lends it an undeniable warmth. Thus, painting becomes my response to the world: a quiet prayer for connection.
Rather than capturing a predetermined, static outcome, I aim to fixate the fluid movement of consciousness itself onto the canvas.
Instead of orchestrating a calculated harmony, I directly embrace physical impulses, subtle hesitations, and serendipitous moments as they occur, rendering the trajectory of perception visible.
In bringing this generative process to light, I seek to articulate both the fragility of the self and the profound truth that our genuine proof of existence resides within a momentary flux.
過剰なまでに効率化・合理化が進み、あらゆる現象がデータや情報として処理されていく現代において、私は絵画を通じて「見る」という行為を根源から問い直し、再構築したいと考えています。
私が探求している「光」とは、キャンバスや物体を単に物理的に照らす明かりではありません。それは、人間が世界と出会い、それを意識として受け取るプロセスの根本にある「認識そのもの」です。
情報が過剰に消費され、表層的な視覚刺激に溢れる世界の中で、「私たちは本当に世界を見ているのだろうか」という問いを投げかけ、視覚の奥底にある知覚の原風景へと見る人を誘うことを目指しています。
私にとって、この内面的な眼差し——すなわち自らの意識が世界を捉えているという事実に気づくこと——は、単なる頭の中の作業ではなく、「愛」の純粋な起点でもあります。
世界をどう捉え、他者や現象をいかに自分の中に受け入れるかという認識のプロセスこそが、私たちが立ち現れる現実を生成し、そこに確固たる温もりを与えてくれると信じているからです。
私にとって描くという行為は、世界に対する応答であり、関係性を結ぶための静かな祈りでもあります。
また、私が画面に定着させたいのは、あらかじめ用意された完成形ではなく、つねに変化し続ける意識の動きそのものです。完璧な調和をあらかじめ設計するのではなく、描く瞬間の身体的な衝動、揺らぎ、偶然性をそのまま画面に取り込むことで、知覚する意識の軌跡を可視化しようとしています。
そうして意識の生成過程を描き出すことで、私は「私」という存在の不確かさ、そして一瞬の揺らぎの中にこそ確固たる存在の証明が宿っているという事実を、ここに書き留めたいのです。