Les lignes floues qui caractérisent visuellement mon travail sont une variation de la technique « Ko-roku » utilisée dans la peinture japonaise, qui exprime non seulement les formes, mais aussi les ombres, le dynamisme et une sensation d’atmosphère.
Umegram series
Cette œuvre représente les fleurs de prunier d’hiver qui s’épanouissent tôt au cœur de l’hiver rigoureux, à la fin de l’année, sur un paysage enneigé.
Le prunier, profondément lié au climat du Japon, a toujours occupé une place importante dans la vie des gens en tant qu’ornement, grâce à sa beauté et à son caractère auspice.
Son histoire a influencé la culture et l’art, comme en témoignent les références dans le recueil de poésie traditionnelle de l’époque de Nara, le Manyoshu.
Première fleur à s’épanouir après avoir enduré l’hiver sévère, la fleur de prunier symbolise une vitalité forte et une grande persévérance.
Les Japonais, qui ne perdent jamais leur gratitude ni leur respect envers la nature, sont fascinés non seulement par la beauté éphémère de la fleur de prunier, mais aussi par le processus qu’elle représente : sa vitalité.
Choisir le prunier comme motif reflète peut-être l’état d’esprit de l’artiste lui-même.
Sentez le début de la saison et la force vitale puissante qu’elle incarne.
Anagram series
L’art n’existe qu’avec le regard de celui qui le contemple.
L’art contemporain est parfois provocant et sert souvent de moyen pour transmettre des messages puissants.
Cependant, n’est-ce pas justement dans l’acte de laisser la réponse à l’autre que réside la véritable essence de l’art ?
L’existence de l’artiste n’est rien de plus qu’un prétexte pour poser une question sur le sens.
Il n’est pas nécessaire d’interroger à tout moment mes idées, mon identité, ma morale, mes règles, mon originalité ou mon inspiration.
Je suis incapable de mettre en mots ce que je suis, et c’est ce que j’ai traduit dans une seule peinture.
C’est aussi une rencontre avec votre propre histoire. L’acte de capter un instant d’intérêt avec vos yeux, de tourner la page tout en imaginant son contenu : voilà, pour moi, la romance de mon existence en tant qu’artiste.
Serialism
Chaque fois que nous perdons notre curiosité pure ou notre identité, nous avons appris à prendre du recul pour observer notre existence et notre travail avec distance, naviguant librement entre les échelles du monde et de nous-mêmes.
Lorsque l’on fixe trop intensément quelque chose, on en perd la vue d’ensemble ou le sens. Ce changement de perspectives, principe fondamental de la gestalt, est pour moi une idée essentielle et l’un des messages que je souhaite transmettre.
Pour résumer simplement, cela représente une vue d’ensemble complète en soi, un sortilège insufflant la vie aux individus modernes, vidés de sens et de conscience.
Ce qui apparaît en surface est le plus important, et il n’est pas nécessaire d’approfondir jusqu’aux couches inconscientes.
Les individus, trop attachés aux méthodes, perdent souvent de vue leurs motivations et leurs intérêts purs. Pourtant, en comprenant la structure de leur karma, il leur est possible de réécrire le scénario de leur vie, souvent marqué par l’autodérision ou des luttes épuisantes.
Il n’est pas nécessaire de compliquer les choses. Laissez-vous porter par ce léger sentiment d’étrangeté et explorez librement ce que le concept de « forme » peut signifier pour vous.
En obscurcissant la profondeur spatiale et la structure linéaire d’une surface plane, cette méthode crée de nouvelles perspectives et possibilités, jusqu’à désintégrer la gestalt du spectateur. Je l’ai appelée “Serialism”.
Biogram series
Dans le Japon ancien, on croyait que toutes choses — les plantes, les animaux, les êtres humains, les objets inanimés et les artefacts — étaient imprégnées de vie provenant d’une source surnaturelle.
Cette œuvre est une biographie de mon esprit, remplie de personnages nés de cette philosophie et rassemblés pour occuper tout l’espace du tableau.
Elle exprime d’une manière différente l’espace entre le figuratif et l’abstrait.
Engram series
L’environnement dans lequel l’artiste est né et a grandi, ainsi que ses œuvres passées, tout comme le temps écoulé entre l’inspiration et l’achèvement d’une œuvre.
La peinture pourrait être un moyen de capturer le temps.
La série Engram est née d’une tentative visant à enregistrer et accumuler quotidiennement des émotions et des valeurs en constante évolution dans leur état le plus frais, en remplissant chaque jour une case d’une toile divisée en sections.
En tissant ces traces par la répétition, je superpose les pensées du quotidien. J’espère que ce processus pourra rappeler le miracle banal mais précieux qu’est l’arrivée d’un nouveau matin chaque jour, et offrir une opportunité de réfléchir au chemin parcouru.
La culture japonaise Gal, dérivée du mot anglais “girl”, fait référence à une sous-culture japonaise qui a émergé dans les années 1990, caractérisée par un style vestimentaire audacieux et unique.
Ce style s’est initialement développé comme un moyen pour les jeunes Japonaises d’exprimer leur individualité, de défier les standards traditionnels de beauté et de créer une image rebelle et frappante. Bien que son apogée ait eu lieu au début des années 2000, le style Gal reste une icône influente, représentant un esprit audacieux et indépendant dans la culture pop japonaise.
L’ukiyo-e est une forme d’art traditionnel japonais qui a prospéré pendant la période Edo (du XVIIe au XIXe siècle) et se caractérise par des estampes sur bois et des peintures représentant divers sujets.
Kabuki (歌舞伎) est une forme théâtrale japonaise traditionnelle qui a vu le jour au début du XVIIe siècle pendant la période Edo. Il se caractérise par des costumes élaborés, un maquillage distinctif et un style de jeu exagéré. Le Kabuki a été reconnu comme patrimoine culturel immatériel par l’UNESCO.
Bijin-ga (美人画), développé principalement entre la période Edo et la période Meiji, ne se limitait pas à de simples portraits. Les Bijin-ga représentaient des images idéalisées de femmes, incarnant les idéaux sociaux et culturels de la beauté ainsi que les aspirations féminines de l’époque. Ce genre, particulièrement populaire dans l’ukiyo-e, mettait en avant non seulement la mode et l’esthétique, mais aussi les valeurs de la société et l’admiration pour certaines qualités féminines.
Shunga (春画) désigne un genre d’art érotique qui était particulièrement en vogue au Japon pendant la période Edo (1603-1868). Les shunga représentent des scènes explicites d’intimité, souvent avec humour ou fantaisie, célébrant le plaisir et l’affection humains. Acceptés et appréciés par des personnes de différentes classes sociales, les shunga n’étaient pas strictement restreints par les conventions morales de l’époque. Ils servaient à la fois d’art et de divertissement et étaient parfois utilisés à des fins éducatives, offrant un aperçu des relations et des coutumes de l’époque.
Shodo (書道) est un art hautement respecté qui trouve ses racines dans la calligraphie chinoise, mais qui a été adapté de manière unique au sein de la culture japonaise. Cet art combine l’expression visuelle et le langage, tout en étant considéré comme un moyen de cultiver la discipline intérieure et la croissance spirituelle. La pratique met l’accent sur le contrôle, la patience et l’harmonie avec la nature, chaque trait de pinceau étant délibéré et expressif.
Sado (茶道), ou la cérémonie du thé, est un rituel traditionnel centré sur la préparation et l’appréciation du thé, visant à favoriser la croissance spirituelle et à cultiver un sens de la beauté. La cérémonie met l’accent non seulement sur la consommation de thé, mais aussi sur l’apprentissage des bonnes manières, le développement d’un esprit calme et l’adoption de l’esprit du Wabi-Sabi – l’appréciation de la simplicité, de l’imperfection et de la nature éphémère de la vie.
Kado (華道), également connu sous le nom de “voie des fleurs” au Japon, est une forme d’art traditionnel qui met l’accent sur l’arrangement des fleurs et des plantes en harmonie avec leur environnement. Développé comme une pratique spirituelle, l’ikebana implique une sélection et un placement minutieux des matériaux, mettant en valeur l’équilibre, la ligne et la simplicité. Contrairement à l’arrangement floral occidental, qui privilégie souvent l’abondance, l’ikebana valorise l’espace vide, l’asymétrie et la prise en compte des saisons, reflétant un profond respect pour la nature et la beauté du minimalisme. Cette forme d’art encourage une approche méditative et consciente, permettant aux praticiens de se connecter à la nature et de cultiver la paix intérieure.
Noh (能) est l’un des arts de la scène les plus anciens du Japon, remontant à plus de 600 ans, au XIVe siècle. Il combine le drame, la musique et la danse dans une forme hautement stylisée et symbolique, où les interprètes masqués utilisent des mouvements et des gestes minimalistes pour exprimer des émotions profondes et raconter des histoires complexes. Le Noh, influencé par les croyances shintoïstes et bouddhistes, explore souvent des thèmes liés au surnaturel, à la souffrance humaine et à la rédemption.
Shinto (神道) est la tradition spirituelle indigène du Japon, profondément enracinée dans sa culture et son histoire. Contrairement à de nombreuses grandes religions mondiales, le shinto ne possède ni doctrine unique ni écriture centrale. Il s’agit davantage d’un mode de vie qui met l’accent sur une connexion étroite entre les humains, la nature et le divin.
Au cœur du shinto se trouve la croyance en les kami, des esprits ou divinités présents dans tous les aspects du monde – la nature, les objets, les lieux et les êtres vivants. Le shinto enseigne le respect envers ces esprits, avec des pratiques qui impliquent souvent des rituels dans des sanctuaires dédiés à divers kami. Ces sanctuaires se trouvent souvent dans des environnements naturels tels que les forêts, les montagnes, les rivières, voire à l’intérieur des maisons. Ce respect reflète une croyance plus large selon laquelle tout dans la nature, des objets aux êtres, possède une essence spirituelle qui mérite respect et vénération.
Le shinto met l’accent sur l’harmonie avec l’environnement et reconnaît l’interconnexion de toutes les formes de vie. Cette vision du monde a influencé la culture japonaise, en façonnant tout, des arts traditionnels et des festivals à une appréciation générale de la nature, des saisons changeantes et des cycles de la vie.
Nakaima (中今) est un concept japonais souvent traduit par « l’éternel présent » ou « l’ici et maintenant ». Il met l’accent sur l’importance du moment présent, perçu comme un point où toutes les possibilités convergent, transcendant le passé et le futur. Cette idée trouve ses racines dans le shinto, la spiritualité indigène du Japon, et reflète une vision du monde qui valorise le fait de vivre pleinement chaque instant plutôt que d’être lié par les événements passés ou uniquement motivé par des objectifs futurs.
Dans le shinto, Nakaima est lié à l’appréciation du moment présent et à une prise de conscience du divin dans la vie quotidienne. Il est perçu comme un moyen de se connecter au monde naturel et à l’essence spirituelle qui réside dans toutes choses. Cette philosophie influence divers aspects de la culture japonaise, notamment l’art, les rituels et l’approche japonaise de la pleine conscience et de la présence.
Vivre pleinement le moment présent apporte un sentiment de paix, d’équilibre et de connexion à l’énergie plus vaste de la vie.
La forme contemporaine de l’art
Kouhei Fukushima
Je suis né au milieu des années 90, au cœur d'un tournant pour les sous-cultures comme Internet et la culture Gal, et j'ai grandi à une époque unique définie par des jeux et des anime comme Pokémon, Monster Hunter, Animal Crossing, NARUTO et ONE PIECE. Bien que l'Internet devenait de plus en plus répandu, à l'époque, le principal moyen de jouer avec des amis était par des connexions infrarouges. Cela servait de l'une des principales façons de se connecter et de communiquer avec les autres. Pour les Japonais, qui ont souvent du mal avec la communication directe, avoir une communication commune est essentiel. Imprégné de ces diverses cultures, qui pourraient être considérées comme une forme de "Pop Art japonais", j'ai passé du temps à apprendre de nombreuses choses importantes, telles que l'expression artistique, le potentiel et la pensée philosophique des mondes du manga, de l'anime et des jeux.
Cet essai discute de "l'art contemporain" et des "formes contemporaines d'art" à travers mon filtre personnel sans éducation artistique formelle, et vise à démontrer la "rationalité de l'art" dans la société moderne en explorant la définition et les possibilités de l'art contemporain.
La sous-culture japonaise (la culture pop japonaise) est un domaine unique et ambigu qui a évolué au fil des ans, influencé par le départ de la culture manga du réalisme. L'ukiyo-e, l'une des formes de culture populaire qui a eu une influence considérable sur les peintres du monde entier, y compris Vincent van Gogh, est devenue une partie indispensable de l'histoire de l'art mondial. L'ukiyo-e est apparu pendant la période Edo, une époque marquée par de fréquents grands incendies, favorisant la croyance que la vie devait être pleinement appréciée malgré les difficultés. Ces estampes capturaient la joie du moment présent et les tendances évolutives d'Edo alors qu'elle traversait des cycles de récupération et de changement. À l'époque, l'ukiyo-e servait de forme d'expression personnelle pour le peuple, soutenant le réalisme et l'identité japonaise. Il s'est développé de manière unique, résonnant profondément avec le cœur des gens. À cette époque, l'ukiyo-e était une forme d'art accessible et familière pour le peuple, profondément ancrée dans la vie quotidienne. Il était si largement disponible que les estampes ukiyo-e étaient même utilisées comme matériau d'emballage pour des objets fragiles exportés du Japon. Divers genres d'ukiyo-e ont émergé, y compris des portraits d'acteurs de Kabuki et de belles femmes (Bijin-ga), des œuvres satiriques reflétant des problèmes sociaux, et de l'art érotique connu sous le nom de Shunga. Ces genres ont jeté les bases de ce qui deviendrait plus tard une influence significative sur la sous-culture japonaise moderne.
L'"art élevé" occidental, qui ne pouvait être apprécié que par les aristocrates et les riches, servait un but totalement différent de l'"art pop" japonais, qui existait pour soutenir et résonner avec le "peuple commun". La "haute culture" du Japon pendant la période Edo englobait des arts traditionnels raffinés tels que la calligraphie (Shodo), la cérémonie du thé (Sado), l'arrangement floral (Kado), le Kabuki et le théâtre Noh. Ces formes d'art étaient principalement maintenues par l'élite, servant de symboles d'identité culturelle et de statut. Aujourd'hui, bien que ces traditions soient toujours très valorisées comme partie du patrimoine du Japon, elles sont quelque peu éloignées de la vie quotidienne pour de nombreux Japonais. Au lieu de cela, elles servent souvent de symboles nationaux et sont considérées davantage comme un patrimoine culturel que comme une vie quotidienne pour la plupart.
Par exemple, pendant mes années scolaires, la sous-culture était profondément ancrée dans notre vie quotidienne. Certains camarades de classe étaient véritablement fascinés par des personnages 'moe' (des personnages de filles d'anime mignons), tandis que d'autres étaient influencés par des mangas de 'garçons délinquants', ce qui façonnait leur comportement rebelle. De plus, il était courant en classe de faire circuler le Weekly Shonen Jump (un magazine de manga populaire), avec des camarades de classe le lisant les uns après les autres. Ces expériences soulignent l'impact profond que la sous-culture japonaise a eu sur notre vie quotidienne et nos valeurs. Ayant grandi avec l' 'art pop' comme une présence quotidienne dans ma vie, l'idée d'étudier formellement l'art me semblait étrange, alors j'ai choisi d'étudier l'architecture au lycée et à l'université. Cependant, en grandissant, j'ai commencé à rencontrer la notion que 'l'art est quelque chose de spécial', ce qui m'a conduit à explorer ce que signifie vraiment 'la supériorité de l'art'.
Dans l'histoire occidentale, "l'art élevé" était souvent un outil puissant pour afficher l'autorité et la grandeur, en particulier pour la royauté et les riches à l'époque avant l'invention de l'appareil photo. Cet art mettait l'accent sur le réalisme et un savoir-faire méticuleux, les artistes utilisant des techniques raffinées pour capturer des détails réalistes, plutôt que de se concentrer sur l'expression personnelle.
Cependant, à mesure que le 19ème siècle progressait, l'invention de l'appareil photo a fondamentalement changé le but et la nature de l'art visuel. Le réalisme, autrefois un objectif principal, est devenu moins crucial puisque la photographie pouvait capturer des scènes et des sujets avec une précision inégalée. Ce changement a conduit de nombreux peintres à remettre en question le but de la peinture dans un monde avec des caméras, déclenchant une série de "mouvements de rébellion artistique" visant à redéfinir l'art lui-même. Ces mouvements ont jeté les bases de l'art contemporain. En raison des limitations des premières caméras, qui nécessitaient que les sujets restent immobiles pendant au moins 30 minutes, les premiers impressionnistes cherchaient à capturer des scènes qu'une caméra ne pouvait pas enregistrer pleinement, telles que des paysages urbains dynamiques et de l'eau en mouvement. Des artistes (comme Claude Monet et Pierre-Auguste Renoir) se concentraient sur ces moments fugaces, utilisant des techniques de peinture pour transmettre un sens du mouvement et de la spontanéité de la lumière changeante et des scènes que la photographie ne pouvait pas encore capturer. Cette époque, qui poursuivait des caractéristiques plus instantanées, est apparue comme une contre-approche aux propriétés de la caméra.
La supériorité de 'l'art élevé' à l'ère actuelle, où les photographies peuvent capturer des moments instantanément, réside dans son contexte (son arrière-plan et ses motifs sous-jacents). Par conséquent, l'explication est devenue essentielle pour interpréter pleinement l'art contemporain, conduisant souvent à un sentiment de complexité ou de difficulté à comprendre. L' 'art élevé' créé pour les élites occidentales et l' 'art pour le peuple commun' au Japon découlent de différences dans les idéologies culturelles. Pour moi, tenter d'évaluer 'la culture de l'art' selon un seul standard ne semble pas du tout artistique. Dans l'art contemporain, des professionnels comme des critiques jouent souvent un rôle significatif dans l'interprétation et l'évaluation des œuvres. Cependant, dans l'art pop japonais, l'évaluation des œuvres est souvent laissée au grand public, favorisant une culture dans laquelle les fans partagent activement leurs opinions et analyses les uns avec les autres. Cette différence communautaire souligne une distinction clé entre l'art occidental et l'art pop japonais. Au sein de ces communautés, les 'Otaku' (souvent traduits par des passionnés dévoués ou des geeks) s'engagent profondément avec des œuvres ou des genres spécifiques, analysant des détails fins et discutant de leurs observations. Bien qu'ils diffèrent des critiques traditionnels, les Otaku montrent une dévotion et une perspicacité similaires, servant de critiques passionnés, presque désintéressés, de l'art qu'ils aiment. Cette culture Otaku enrichit la compréhension collective, renforce les liens entre les fans et contribue finalement à la valeur perçue de l'art lui-même.
Certains Japonais ressentent un inconfort avec l'idée que "l'art est quelque chose de spécial", car ils croient que "l'art est pour tout le monde". Je crois que cette perspective reflète la véritable "forme moderne (ou standard) de l'art". Aujourd'hui, l'anime et le manga sont devenus une force culturelle mondiale, captivant des audiences du monde entier. Ces médias reflètent profondément le contexte historique, les valeurs sociales et la vie quotidienne du Japon. À travers l'humour, la satire et des représentations stylisées d'une sexualité libre d'esprit, l'anime et le manga transmettent une gamme d'expressions diverses. Cette forme dynamique de médias incarne la "contre-culture" du Japon, reflétant richement l'identité, les valeurs et le récit artistique unique de la nation.
Tout comme la culture de rue et le hip-hop ont émergé aux États-Unis comme un moyen d'expression pour les minorités sociales, le Japon a préservé sa propre diversité culturelle et ses éléments historiques à travers des expressions créatives comme l'art et le manga. Le réalisme du Japon vit vraiment dans ses sous-cultures, qui ont longtemps soutenu des éléments culturels et historiques qui auraient autrement pu être perdus ou marginalisés par d'autres pays.
Tout au long de mon parcours, j'ai rencontré le BMX et j'ai été touché par la contre-culture américaine à travers la culture de rue. Cette expérience m'a permis d'identifier à la fois les affinités et les distinctions entre la sous-culture japonaise, la culture de rue et l'art contemporain, chacun incarnant un sens de "contre" (résistance ou opposition). Ce rôle social et cette signification de l'art contemporain contribuent à façonner de nouvelles époques et valeurs.
L’artiste authentique cherche toujours des possibilités externes, évoluant sans être confiné par le passé. Bien qu’étudier l’histoire et les techniques de l’art soit important, il n’est pas nécessaire que tout le monde suive les mêmes standards pour devenir artiste. La résistance qui existe entre soi et les autres, ainsi qu’un esprit rebelle envers la société, constitue l’élément fondamental de l’art contemporain.
J’ai étudié l’architecture parce que j’ai toujours été un “passionné de structures” depuis l’enfance, motivé par une curiosité qui me pousse à comprendre les mécanismes et les structures derrière chaque chose. Parmi les divers sujets, je me suis particulièrement intéressé à l’exploration des structures des processus mentaux et psychologiques, et j’ai été fasciné par la psychologie de la Gestalt développée par le Dr Perls.
Le mot “Gestalt” signifie “forme” ou “structure” en allemand. Dans l’approche de la Gestalt, il existe un postulat fondamental selon lequel la vie se déroule non pas dans le passé ou le futur, mais dans le présent, une notion qui s’aligne avec le concept de “Nakaima” dans le Shinto (religion indigène du Japon). Lorsque nous nous attardons sur le passé ou imaginons l’avenir, nous ne sommes pas pleinement présents. De même, la “valeur artistique”, qui varie selon les environnements et les conditions psychologiques de chacun, ne peut exister de manière isolée. Elle n’atteint sa “forme artistique” qu’en résonance avec le “Nakaima” (le moment présent) du spectateur.
L’approche consistant à transcender le concept de “forme” dans l’art pour créer une “Gestalt” relative représente mon propre standard de “forme”, servant de “contre” pour l’art contemporain.